Conceptos comunes erróneos de las pymes sobre el diseño de sus logotipos

El diseño de un logo afecta al negocio de tiempo por venir; que define una empresa para consumidores potenciales, y es el primero que se necesita para dibujar un cliente pulg Tiene que coincidir con el producto que se vende, apelar a las masas, y ser rentable para las empresas de pequeña y mediana escala. A menudo hay conceptos erróneos cuando se trata de logotipos, ya sean sobre el diseño, la importancia, o cómo diseñarlos. Los más comunes, sin embargo, tienen soluciones simples.

Copia de grandes logos empresariales escala

Copia de grandes logos empresariales de escala es un error que la mayoría de las pequeñas y medianas empresas hacen, con la esperanza de encontrar el éxito de la forma en que el negocio de mayor escala tiene. Si bien esto parece como si pudiera aumentar los posibles compradores, que sólo hace que sea más difícil de diferenciar entre su marca y otra. También podría llevar a cabo una posible acción legal si el logo ya está registrado como marca. La originalidad es una necesidad cuando se trata de diseñar un logotipo, por lo que los consumidores pueden identificar una imagen de marca. La imagen de marca es la impresión que una empresa tiene, y si no es original, una empresa podría perder clientes potenciales.

Utilizando técnicas empresariales de alto escala

Algunas de las principales empresas de todo el mundo tienen logos que son reconocidos a kilómetros de distancia, como el “M” de McDonalds, o el cheque por Nike. Pequeñas y medianas empresas tienen que darse cuenta de que estas empresas tienen la capacidad de hacer simples logotipos sin sus nombres de marca porque ya han creado una imagen que es conocido por millones de personas. Empresas de pequeña escala no tienen la exposición aún no acaba de confiar en un simple logotipo que no haga una clara visual de lo que vende la empresa. La sencillez es siempre lo mejor, pero la creación de un logotipo que es demasiado simple puede dificultar su “popularidad negocio.

El diseño por sí mismo y no a los consumidores

Uno de los errores más grandes que una PYME puede hacer en el diseño de un logotipo es elegir uno que les atrae, y no el consumidor. Antes de elegir un logotipo, una empresa debe responder a la siguiente pregunta: ¿a quién están vendiendo el producto a sí mismos oa los consumidores? La respuesta clara es que los consumidores, e interesar a ellos, el logotipo debe ser atractivo para las masas, no sólo a los ejecutivos de la empresa. La clave para el diseño de un logotipo que atrae a los clientes en es ejecutar un logo por un amigo o compañero de trabajo en primer lugar, para conseguir una mejor opinión sobre si el logotipo que les interesa lo suficiente como para mirar en la marca.

Diseñado por, sitios web baratos no profesionales

Para que un negocio se vea profesional, tiene que asegurarse de que el logo se ve, también. Tratando de ahorrar dinero al tener un logotipo diseñado hará que se vea amateur, y mantener a los clientes se conviertan en interesados en su producto. En lugar de tener su logotipo diseñado por un amigo, familiar o no arranca barato compañía de lado una cierta cantidad de dinero para tener su logotipo diseñado por una empresa profesional . El costo normal es de alrededor de $ 300 a 600, que, aunque se destinarán a la vez, se asegurará de que su logotipo se resistirá la prueba del tiempo, y por lo tanto hará que la rentabilidad del negocio.

Siguiendo las tendencias

Como se mencionó antes, un logotipo representará una empresa, siempre y cuando se mantenga en funcionamiento, y para extender este período de tiempo, un logotipo debe parecer atemporal. Siguiendo las tendencias que sólo tendrá una duración de alrededor de un año, como círculos, luces llamativas, o ciertos tipos de letra, puede disminuir la posibilidad de un logotipo de pie la prueba del tiempo. Un ejemplo de esto podría ser la organización WWF, que ha cambiado su logotipo, así como el tipo de letra que acompaña a él para que sea relevante para los tiempos que corren. La elección de un logo que parece atemporal mantendrá una empresa de tener que recrear constantemente su logotipo.

Basándose en color o pequeños detalles

Un logotipo debe parecer como si el esfuerzo serio se ha puesto en él, sino que se centran en el color y los detalles mínimos que debe evitarse. Logos representar a la empresa en los anuncios, que a menudo tienen lugar en los medios impresos, como revistas, periódicos y vallas publicitarias. En algunos, el color y los detalles mínimos serán adecuados para aumentar las ventas, pero en otros, como en los periódicos, el color se pierde debido a la impresión en blanco y negro, y los anuncios de menor tamaño, se oculta el esfuerzo puesto en los detalles más pequeños. En el diseño de un logotipo de larga duración, se centra en el color debe ser la última prioridad. El diseño de un logotipo que transmitir la imagen deseada en una amplia gama de superficies debe ser de importancia.

Otro aspecto relacionado con la dependencia es el uso de imágenes de mapa de bits o un gráfico vectorial . Mientras que las imágenes de mapa de bits se hacen en aplicaciones como Photoshop que se componen de píxeles, los gráficos vectoriales se realizan a través de los puntos matemáticos, que garanticen que una imagen tiene la consistencia visual que requiere a través de diferentes tamaños, superficies y medios de comunicación. El uso de imágenes de mapa de bits puede hacer que su logo aspecto pixelado y poco atractiva cuando cambia de tamaño, mientras que los gráficos vectoriales tienen la ventaja de fácil adaptación a diferentes medios de comunicación, y fácil de editar.

Las ideas erróneas y los errores son siempre fáciles de hacer, pero sólo recuerda las reglas cardinales de diseño que el logotipo tiene que ser intemporal, tiene que ser rentable, y lo más importante, tiene que ser simple, pero llamativo! Como la famosa cita va,

“La simplicidad es la máxima sofisticación”.

Su logo representa su negocio, por lo que asegúrese de que su representante está haciendo su trabajo.

Diseños de páginas web con plantillas preestablecidas o personalizadas

Como propietario de un sitio web, el problema más común que se presenta cuando se planea poner un sitio web, es si se debe seguir con un diseño de sitio o plantilla de un diseño de sitio web personalizado? Existentes o pre-diseñado sitio web de plantilla frente a un aspecto personalizado, cada uno va a mostrar sus ventajas y desventajas. De cualquier manera ambos tienen sus propias ventajas y desventajas. Creación de una presencia en línea masiva es siempre el objetivo principal de tener su propio sitio web de negocios, por lo tanto, es importante que sea lo más aspecto profesional como sea posible. Cuanto más aparece como de negocios, el más creíble parece a sus visitantes del sitio web. Usted puede escucharse a sí mismo la pregunta ‘simple página web puesta en marcha o desarrollo web a medida? En este artículo vamos a destacar dos maneras de tener su sitio web desarrollado y los desafíos que se acompañan de cada proceso. Al final, es para que usted pueda llegar a la decisión final de si ir o Plantilla personalizada de sitios web?

En primer lugar vamos a hablar de los beneficios de tener un desarrollo web personalizado o Diseño Web personalizado. Obviamente, un sitio web construido sobre desarrollo web a medida proporciona un aspecto único totalmente diferente que el resto. Sería casi imposible para llegar a otro sitio web que se ve totalmente como la suya, a menos que alguien robó intencionalmente sus códigos de página web CSS y HTML. De lo contrario, su sitio web será conseguir un look muy distintivo. Al contratar los servicios de un equipo de desarrollo web a medida, al igual que lo que tenemos en HorseHeadTech, su sitio web se adapta fácilmente a los motores de búsqueda y la codificación de su sitio web tendrá códigos de SEO que se le atribuye, por lo que es más amigable para los buscadores.

Otra ventaja es tener un conjunto de características totalmente relacionadas con el tipo de productos y servicios que su empresa ofrece. escalabilidad es otra ventaja importante de tener un sitio web construido por el desarrollo web a medida. Esto le da la capacidad para su sitio web para mejorar la resolución de su función y ajustar su actuación a la cada vez mayor carga de trabajo, según lo exigido por la mejora constante exigencia de los sistemas y la demanda del usuario. Un buen diseñador web considera las capacidades de escalabilidad de su sitio web mediante la selección de los componentes que mejor se puede utilizar en el desarrollo de su sitio web.

Otros pensamientos para reflexionar sobre la hora de decidir tener un sitio web personalizado incluye si se va a supervisar personalmente el mantenimiento de su sitio web o no? Si usted no tiene el tiempo para estudiar el código en su sitio web, usted necesita tener su desarrollador web instalar un sistema de gestión de contenidos en el diseño web. Esta es una forma de personalización de su página web; por lo que le da más libertad para controlar su sitio web, incluso sin una estrecha supervisión. Una plantilla de sitio web personalizado también ayuda a establecer la imagen de marca de su empresa, al permitir que su sitio web y su go branding mano a mano juntos, los internautas tendrán un tiempo más fácil la conexión de ambos al mismo tiempo.

Cuando piensan en su imagen de marca, también recuerdan su sitio web y viceversa, con un disparo de recordar el nombre. Además, tener un diseño web personalizado le da más oportunidad de practicar un reinado libre sobre su sitio web. Quién sabe, pronto puede convertirse en un experto en el sitio web de codificación y se acumula una buena manía de juguetear el diseño y la personalización de los gráficos en el suyo propio. Esto derribará costos futuros de mantenimiento del sitio web.

Mucha gente tiene la idea errónea de que si usted optó por un diseño de plantilla de página web, significa que usted va a utilizar un diseño que miles de personas ya tienen. No tiene por qué ser así todo el tiempo y por buenas medidas. En primer lugar, usted puede pedirle a su diseñador web para copiar sólo la principal metodología de diseño de un sitio web de plantilla;de allí su diseñador web obtendrá una idea de cómo le gustaría que su sitio web de negocios para que parezca. Sí, no puede ser totalmente personalizado, pero va a tener tanto las influencias de una plantilla de página web existente y algunos toques finales de su diseñador de páginas web, nosotros en HorseHeadTech podemos darle una plantilla, plantilla de encargo o la costumbre, desde el diseño de cero. Una plantilla de página web sí requiere de un marco de tiempo de desarrollo más cortos, por lo que es una opción viable para aquellos que apresurarse a obtener su sitio web de negocios en marcha y funcionando.

Sin embargo, tenga en cuenta que usted podría terminar con el mismo o casi una plantilla de página web idéntica copia al carbón ya propiedad de miles que hay en la web. También tenga cuidado con algunas plantillas de sitios web existentes que utilizan ‘codificación anticuados’, porque esto puede provocar que el sitio web para tener problemas para cargar cuando se ve en diferentes navegadores. Elección de una plantilla de página web es, evidentemente, la opción más barata entre los dos, sólo asegúrese de que no se le estafando o amortiguar la promesa de su sitio web de lograr prominencia global y amplia presencia en línea sólo porque querías ahorrar dinero para el desarrollo web a medida.

SIN EMBARGO … Diseño de la plantilla es una gran manera si usted tiene un montón de sitios de información que necesita para salir de allí porque es la alternativa más barata y un buen diseñador gráfico, mediante la edición de imágenes, fotos y colores pueden tratar de hacer que el aspecto de plantilla como ninguna otra … Hay que ir, el mundo del desarrollo web a medida viene a menudo a través como un argumento en el que es mejor? Una plantilla de página web o un sitio web de diseño personalizado. Al final, va a depender de su disposición a invertir en cualquiera de los dos trabajos de desarrollo web a medida o intente más barato proceso de desarrollo web? La pelota está en sus manos, pero sólo para hacerle saber, lo que su elección sería, estar seguro de que en HorseHeadTech le llevará todo el camino.

Lo que BRUCE LEE puede enseñar acerca del DISEÑO

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Estilo de lucha de Bruce Lee era dejar que su oponente determinar el enfoque – una mentalidad que ayudaron a formar la filosofía de diseño DE UNO DE ANTIGUOS DE DISEÑADORES DE ZAPATOS SUPERIORES DE NIKE.

Bruce Lee no sabía mucho sobre el diseño, pero no estaba corto en las filosofías de vida útil. Es por eso que D’Wayne Edwards , quien fue director de diseño de la línea Jordan de Nike antes de iniciar Penisole Footwear Design Academy , cuenta con el icono de las artes marciales, entre sus principales fuentes de inspiración. “Todo el mundo lo conoce como un luchador,” Edwards, uno de Fast Company ‘s personas más creativas en los negocios de este año , dijo. Lo que Edwards encuentra inspiración, sin embargo, es la manera de pensar de Lee.

Dwayne Edwards
Como muchos jóvenes, Edwards desarrolló un interés en Lee a través de sus películas. Como Edwards hizo mayor, sin embargo, descubrió los escritos y las filosofías de Lee. Lee ha sacado una serie de libros , pero uno en particular habla de Edwards: Pensamientos llamativos . En ella, Lee habla de su enfoque para el estilo de lucha.”Su estilo de lucha era lo que su oponente le obligó a hacerlo”, explicó Edwards. “Eso es para mí mucho de lo que el diseño es, también, porque como diseñador tienes que convertirte en la persona y / o el objeto que usted está diseñando.”
Edwards, que aterrizó en nuestras personas más creativas lista de este año para la academia de diseño de calzado comenzó, enseña Lee en sus clases. Cita frecuentemente citado de Lee es “como el agua”, en particular resuena con Edwards como profesor de diseño:
“El agua se convierte en todo lo que toca”, dijo Edwards. “Eso es algo de su mentalidad como un luchador, debe ser ese sentimiento, que se abren, que la voluntad de adaptarse y ajustarse.”Lo mismo ocurre con los creadores, dice. La cualidad más importante para un diseñador que tener es la capacidad de adaptación. Edwards compara el diseño de la actuación, jugando un nuevo papel para cada proyecto y producto.
Edwards se encuentra la mayor parte de su inspiración en la forma de pensar. “No estoy realmente inspirado por otros diseñadores, no estoy inspirado por los objetos o las cosas”, dijo.Además de Lee, Edwards se ve a Jackie Robinson, Bill Gates, Leonardo Da Vinci, y Jay-Z para la inspiración. Por supuesto, cada uno de esos hombres hicieron contribuciones increíbles y creativas. Pero Edwards admira cada uno por la forma particular en que se acercaron al mundo: Robinson por su valentía; Puertas de su visión; Da Vinci por su creatividad; y Jay-Z para su proceso.
“No es necesariamente el diseño justo o la creatividad”, dijo Edwards. “Es la forma en que piensan.”

CÓMO USAR SUS “MOMENTOS OSCUROS” INSPIRAR SOLUCIONES CREATIVAS
PIENSE PINTEREST O INSTAGRAM ES UNA GRAN FUENTE DE INSPIRACIÓN CREATIVA? USTED ESTÁ BUSCANDO EN EL LUGAR EQUIVOCADO.
A veces la creatividad chispas cuando menos te lo esperas. Por Gina Bianchini , sucedió cuando una maestra de tercer grado se acercó a través de un chat en Twitter y le dijo que le encantaría encontrar un lugar que pudiera conocer a otros profesores en las aulas bilingües, para que pudieran intercambiar experiencias y conocimientos.
“Ese fue mi momento aha”, Bianchini dice Fast Company . “Tenemos todos los medios posibles disponibles, todavía no hemos resuelto este grande, deslumbrante, gran oportunidad frente a nosotros.”

Esa capacidad de conectar a la gente con intereses similares nicho fue la génesis deMightybell . La “red social más inteligente”, lanzado en versión beta en 2012 con un grupo de usuarios corporativos, tales como Lean En Sheryl Sandberg, American Express, y las Fundaciones Bill y Melinda Gates, y rápidamente creció hasta otras 450 comunidades. Ahora está abierto al público en general con el mismo objetivo: conectar a las personas que deberían saber unos de otros para ayudarles a colaborar.
En el camino, Bianchini confiesa, ha habido un montón de “momentos oscuros” cuando ella preguntó si la solución de Mightybell ayudar a otros a aprovechar el poder de los compañeros es digno. “Escucho a la gente todo el tiempo preguntan si realmente necesitamos otra red social”, dice ella. “Así que me pregunto regularmente: ¿estamos empujando al mundo hacia adelante? ¿Estamos trabajando en algo que tiene que existir? ”

La respuesta de Bianchini es un inequívoco sí. Al igual que la chispa inesperada que generó la idea de Mightybell, en primer lugar, lo que inspira a regular el nivel de la pasión no se encuentra donde la mayoría van para alimentar su creatividad. Olvídese del sol y arco iris, dice Bianchini, a pesar de que le encanta ir en caminatas. Y saltar el lavado de placas de Pinterest y Instagram alimenta, a pesar del éxito de la dopamina que viene de que “mayor sentido de la realidad cuando todo es hermoso.”
En cambio, sostiene Bianchini, que mejor es capaz de explotar su propia creatividad cuando se detecta que la gente está frustrada. “El poder de la adversidad y la comprensión de los desafíos en frente de usted, encontré, genera mucho más grande y más rápido la creatividad porque realmente sabe lo que está tratando de resolver”, que postula.
Para animar a las soluciones, Bianchini toma dos caminos muy diferentes a la inspiración.

Una es seguir aprovechando la sabiduría de las comunidades. Trabajar con las comunidades en línea durante una década, en particular que se ejecuta en Ning, que según ella creció hasta 300.000 redes sociales de nicho activos visitados por 90 millones de personas por mes, Bianchini subraya: “Yo he visto de todo, y es absolutamente lo que me inspira”. Ahora , ella dice, ella comprueba en los diferentes grupos de Mightybell y ver “, por lo que muchas personas increíbles que contribuye [sus] conocimientos” valida la teoría de que a pesar de que es de 2014, todavía estamos justo en la cúspide de una edad de oro de los medios de comunicación social.

Pero aún no estamos allí. Es por eso que su segunda táctica para desbloquear la creatividad es centrarse en las soluciones, no las tareas. A primera hora de la mañana, “Yo no abro mi teléfono”, confiesa entre risas. Una ducha, café, y llegar a la oficina para comprobar rápidamente email consiguen ruedas de Bianchini girando. Entonces, antes que nadie entra, ella saca una hoja de papel en blanco y empieza a escribir.
“Voy a tratar de hacer frente a una cuestión de volver a ese reto que me está manteniendo en la noche”, explica. Entonces ella va a anotar 20 ideas. “Cuando el articulo y esbozar los objetivos generales antes de que comience el día, estoy en un lugar mejor en términos de la interacción con otras personas y yo soy mucho más creativos en todo el día”, observa.

Nada se decidió en un vacío a Mightybell. Bianchini dice que ama a colaborar con su equipo y con ese fin que celebrar una reunión cada viernes por la tarde para inspirar a la gente a seguir pensando sobre el fin de semana. “Nos acostamos qué estamos oyendo y cuáles son nuestros más grandes retos estamos”, dice Bianchini. Ella puso una idea por ahí, ya que, “Los diferentes puntos de vista son muy importantes.”
Y mientras ella está para arriba para la noche del sábado la diversión tanto como la persona siguiente, Bianchini de más sobre la misión de trabajo / vida en lugar de equilibrio trabajo / vida. Reflexionando Ideas fin de semana le permite determinar qué pegan soluciones y que lavar. “No estamos buscando a correr decisiones, pero para hacer frente a las preguntas carnosos grandes para impulsarnos hacia adelante.”

Diseño gráfico vs Fine Art: Líneas borrosas

El diseño gráfico y las bellas artes … ¿existe realmente una diferencia? Cuando estaba en la escuela de arte, el estudio de la ilustración en el departamento de diseño, nunca hubo una división entre los diseñadores y artistas plásticos … era más bien un profundo abismo. Diseñadores vieron pintores y escultores como perezoso e indisciplinado, mientras que artistas plásticos miraron diseñadores como alcahuetes que vendieron-a nombre de “El Hombre”. Por lo tanto, me encanta cuando alguien viene y desdibuja las líneas entre el diseño y las bellas artes.

El programa reciente en el ICA de Boston titula un terrón o dos vitrinas las obras de Amy Sillman. Sillman utiliza el dibujo, la pintura y la animación de expresarse y su percepción del mundo a su alrededor usando atrevidos, líneas de dibujos animados, áreas brillantes de color y su firma ingenio. Fue agradable ver toda la retrospectiva de su progresión. Usted ve sus inicios la utilización mucho más reconocible imaginería, en particular su retrato, y luego avanza lentamente en mucho más líneas y formas abstractas hasta que el tema es apenas reconocible dejando al observador a reflexionar sólo sobre el color, formas y líneas. Sus trazos en el lienzo son un asalto a los sentidos, algo atemperada por su fantasía y sentido del humor. Las corrientes subterráneas sexuales en Shade (ver imagen superior) , Ich Auch y ellos añaden energía y la pasión para el trabajo al igual que el aspecto físico de una pintura de bajo (o un bajo de prendas de vestir).

Las animaciones, hecho simplemente en un iPad utilizando un programa de dibujo, se descomponen aún más su uso de la línea y la forma, mientras que la adición de las nuevas dimensiones del tiempo y el movimiento. Es interesante ver a los aparatos del estado de la técnica de día, creando, visuales granuladas nervioso ásperas. Se respira la emoción en la tecnología sin alma.

Los mapas de asientos son una sátira social caprichosa que recuerda a los dibujos animados Matt Greoning utilizados en la vida en la serie del infierno de libros, mientras que los dibujos animados como marchante alemán + su artista americano + chicos europeos y hay demasiadas hojas me recuerdan a los de Sergio Argones marginales caricaturas en la revista Mad.

Los maestros del pasado pintaban lo que veían a su alrededor por lo general se inspira en la naturaleza o la forma humana. En trepidante mundo actual de la información instantánea y la gratificación, uno tendría que retirarse al desierto para evitar el constante bombardeo de estímulos visuales. Roy Lichtenstein tomó imágenes del cómic y la elevó a una expresión sofisticada del mundo que nos rodea, por lo tanto, convertirse en algo nuevo. Andy Warhol conceptualizado en la sobrecarga sensorial de los bienes producidos en masa como las latas de sopa y los iconos de la cultura pop como Marilyn Monroe y le dio un lugar en la galería. Los carteles producidos en masa Toulouse Lautrec creó para La Folies Bergère utilizan los gráficos de carteles planas en un intento por elevar la pintura a un nuevo nivel. Todo el tiempo sublime capturó la vida nocturna de París, en el cambio de siglo. Tomar imágenes de dibujos animados y elevarlo a un nivel de las bellas artes, es sólo la próxima meseta en la evolución de las bellas artes. Yo creo que sería imposible hoy en día para crear cualquier arte que no llama, en alguna forma, de la cultura popular.

Así pues, si usted es un artista que dibujaba muy bien la inspiración de la publicidad y el diseño gráfico o un inspirándose en las bellas artes diseñador gráfico, las líneas entre las dos escuelas, que eran una vez fuerte y rápido, se están convirtiendo en borrosa. Después de todo, todos somos creativos debajo. Como uno de mis profesores de ilustración solía decirme, la mejor definición de un buen artista frente a un diseñador gráfico es que un buen artista está tratando de resolver sus propios problemas, mientras que un diseño gráfico está tratando de resolver los problemas de los demás.

El arte en la publicidad y el diseño gráfico en galerías

Borrando las fronteras entre el buen arte y buen diseño.

Después de haber asistido a una escuela de arte como un gran ejemplo, lo primero que me di cuenta fue que las líneas de batalla entre los estudiantes en función de su mayor fueron claramente dibujados; los estudiantes de bellas artes estaban de un lado de la nave, mientras que los diseñadores estaban en el otro. Los estudiantes de arte miraban los diseñadores como prostitutas, vendiendo su alma a los amos corporativos por un dólar. Los diseñadores buscaron en los estudiantes de bellas artes como hippies ideológicos destinados a una vida de pobreza. Ser un estudiante de ilustración, yo estaba en la rara posición a horcajadas de la línea entre los dos. Que a menudo plantea la cuestión, ¿Qué es todo este alboroto, todos somos creativos, ¿no?

Los diseñadores gráficos en la publicidad pueden estar creando arte para sus clientes corporativos, pero los artistas finos deben complacer a sus clientes corporativos y agentes con el fin de asegurar la financiación de sus programas de galería. La mejor definición que he oído hablar de la diferencia entre los artistas plásticos y diseñadores es que artistas plásticos a resolver sus propios problemas, mientras que el diseñador a resolver los problemas de otras personas.

Para ilustrar esto, me gustaría hacer referencia a la reciente Alex Katz espectáculo que vi en el Museo de Bellas Artes de Boston. Trabajos de Katz caballo entre la línea entre el diseño y las bellas artes. Él captura la emoción de su tema estilísticamente, usando humor sombrío o tonalidades brillantes. Sin embargo, su uso de líneas agudas, áreas audaces de espacio negativo y colores planos se presta maravillosamente a los medios impresos. De hecho, muchas de las piezas de Katz son litografías, grabados, serigrafías, grabados en madera y cortes de linóleo.

¿Es esto muy diferente del arte pop de Warhol estaba creando en la década de 1960 o incluso carteles de Lautrec para el Moulin Rouge, en el siglo 19? Incluso se puede mirar todo el camino de regreso a las pinturas rupestres realizadas en Lascaux, Francia, hace 17.300 años. Fueron esas expresiones audaces de poetas guerreros que ilustran la lucha contra la bestia o carteles de reclutamiento para persuadir a los jóvenes a “Únete a la caza”?

El arte y la publicidad Fine siempre han caminado mano a mano a través de los siglos, aunque él quizá una relación tormentosa. Tal vez esa sea la pasión subyacente que producirá la próxima Gogh Van “Noche estrellada” o Apple Computer “1984” anuncio de televisión.

¿Por qué los sitios de medios sociales prefieren el azul en su logotipo?

“Algo viejo, algo nuevo,
algo prestado, algo azul,
y una moneda de seis peniques de plata en su zapato. ”

Para aquellos que no están familiarizados con el folclore Inglés, la rima anterior se refiere a la antigua costumbre que narra lo que una novia debe llevar en su boda para la buena suerte. La parte interesante de este versículo es el peculiar uso del color ‘azul’.
La cuestión que aquí se plantea es, ¿por qué azul y no cualquier otro color? Branding es importante y todos sabemos que el color es un elemento vital del desarrollo de la marca; que ayuda a construir un posicionamiento y la percepción para el producto en la mente del consumidor. Para entender esto, tenemos que estar al tanto de la psicología de los colores, es decir, la forma en que influyen en la forma en que nos comportamos.
La mente humana reacciona a los colores de una manera notable. Cada color tiene una influencia única en nuestros estados de ánimo, sentimientos y emociones. Por ejemplo, el color amarillo se asocia sobre todo con el hambre y la emoción. De igual forma, el color azul tiene la capacidad de emitir una sensación de tranquilidad, seguridad, honestidad y confianza. En el versículo anterior, el “algo azul” también denota la lealtad y fidelidad.
¿Por qué Social Media Logos empleo ‘Blue’?
¿Sabía usted que el azul es el color más popular en el mundo? De acuerdo con una encuestarealizada por Dulux Paints participación encuestados de 30 países, 42% hombres y 30% mujeres etiquetadas azul como su color favorito.
Por otra parte, el azul se asocia con sentimientos de confianza, fortaleza y confiabilidad. Todos estos factores son muy críticos a un sitio web de medios sociales. De acuerdo con diversas investigaciones, color azul ayuda a mejorar el flujo de la comunicación, que es importante para todas las plataformas de medios sociales.
Vamos a ver cómo algunos de los más famosos de los medios sociales y sitios de redes sociales utilizan el color azul en su identidad visual.

1 FACEBOOK:

facebook-logoLa red social más grande del mundo, Facebook fue lanzado hace alrededor de una década como una plataforma que permite a las personas conectarse e interactuar con sus amigos y familiares.Ahora bien, para vender esto a los usuarios, cualquier sitio web necesita para construir la confianza y la fiabilidad en la mente de los clientes. Dado que los usuarios comparten sus fotos personales, videos y conversaciones con sus seres cerrados, el color azul en su logo sirve a este propósito muy apropiadamente.

 

2 TWITTER:

logo-twitter

El segundo más popular plataforma de red social Twitter también explota el color azul en su logo.Al igual que otros sitios de medios sociales, Twitter también permite a sus usuarios compartir actualizaciones instantáneas en forma de “tweets”. Esto exige la privacidad de los datos personales, que sólo puede ser garantizado por la construcción de la confianza de los clientes.El color azul en su logotipo, así como todo el tema da una sensación de seguridad y protección a los usuarios.

3 DE LINKEDIN:

Este es otro famoso ejemplo de por qué los logotipos de medios sociales utilizan el color azul.Desde su creación en 2002, LinkedIn ha establecido su reputación como la red social más popular para los profesionales. Sirve como una plataforma en la que los profesionales de todas las ocupaciones pueden encontrarse, conectarse e interactuar en beneficio mutuo. Un sitio como esta necesidad de exhibir características fuertes como la fiabilidad, el profesionalismo y la confianza de sus usuarios. El color azul es un medio ideal para comunicar estas cualidades.

4 INSTAGRAM:

Se podría suponer que la reciente transformación del logo Instagram de negro a azul se debe a su adquisición por parte de Facebook. Sin embargo, no es el caso ya que no hay una clara distinción entre los tonos de color de ambos logotipos. El cambio es más hacia la explotación del efecto calmante y agradable del color azul en los usuarios. Un sitio de redes sociales para compartir fotos como Instagram también tiene que comunicar un sentido de confianza, seguridad y credibilidad que será ayudado por la adopción de azul en el logo.

5 VKONTAKTE

Incluso las redes sociales basadas en otras regiones del mundo sigan su ejemplo similar de uso de azul en su logotipo. Ejemplo de ello es el sitio en base rusa VKontakte (VK), que es la mayor red social europeo después de que Facebook. También cuenta con un tema de color similar para su identidad visual, así como el diseño del sitio estableciendo así un signo de la amistad, la confianza y la seguridad.
“Wave of Blue ‘en Sociales Blogs Medios:
El concepto de emplear azul en logotipos no se limita a las redes sociales. Esto también está siendo cada vez más adoptada por los blogs de los medios de comunicación sociales. Dos de los ejemplos más importantes incluyen el sitio de noticias de medios sociales Mashable y comunidad de blogs SEO Moz (anteriormente SEOMoz). Ambos usan azul para proporcionar una sensación de sencillez, transparencia y confiabilidad de sus servicios a los usuarios.

Es usted que siente el azul (s)?
Si bien existe una evidente ola de azul a través de las plataformas de medios sociales, no hay reglas duras y rápidas sobre el empleo de azul como el color de la insignia. ¿Qué efecto tiene el color azul en los logos tienen en usted? ¿Impacta la forma de interactuar en las redes sociales?

¿Cómo diseñar su propio tipo de letra?

Mi viaje del diseño tipográfico comenzó con mi amor por la tipografía y el deseo de llevar mi imaginación a la vida. Ambos factores ayudaron a conseguir a través de los muchos desafíos de crear un tipo de letra original y finalmente aprender cómo hacer un tipo de letra para una fuente de trabajo.
Mi primera experiencia de diseñar una tipografía llegó hace un año y medio cuando estaba internado en un estudio de la marca Austin llamado Sputnik. Yo había creado algún tipo de encargo para un logotipo, y aunque el logotipo fue en última instancia en una dirección diferente, aún así disfrutamos de la tipo. Con esto en mente, le di una nueva vida con la decisión de pasar el resto de mi verano a la creación de personajes adicionales y asi empezo la tipo Mocha. Desde entonces, he creado un poco más y he aprendido algunos trucos en el camino para ayudarme a empezar.

Por dónde empezar

Creación de un tipo de letra de la para nada es fácil. Heck, la creación de cualquier diseño de un lienzo en blanco o un archivo de Illustrator es abrumadora, pero todo lo que necesita es la raíz de una idea y el resto se desarrollará. Mocha escritura comenzó porque yo estaba buscando para crear una secuencia de comandos geométrica para el logotipo. Eso fue bastante simple, y todo lo que necesitaba para conseguir el balanceo de la bola. Me puse una serie de “reglas” para mí mismo mediante el establecimiento de una red básica y de allí cada letra me informó sobre lo que los demás debe ser similar.

Cuando diseñé Storyland , mi objetivo era crear una sensación juguetona y caprichosa, algo que podría tener una aplicación práctica en la elaboración de un libro para niños. Storyland se respiraba en la vida por la inspiración del humor y la emoción, pero, la inspiración puede venir de cualquier parte, cualquier cosa, o de cualquier período histórico. Pregúntate a ti mismo, ¿hay un propósito o aplicación particular cuando su tipo de letra se puede utilizar? ¿Está el diseño para una función o un espacio tanto de concreto o imaginario particular? El punto no es simplemente tener el diseño final en mente, sino para desarrollar un punto de partida. Si su inspiración no se está materializando, trate de pensar en el diseño de tipografías basadas en sus personajes de la película, un libro o de televisión favorito. Esta es la forma Lightyear llegó a existir.
Me decidí a hacer un tratamiento de tipo utilizando el eslogan de Buzz Lightyear “Al infinito y más allá”. Traté de reflejar la ciencia-ficción y el espacio lúdico ambiente que capturó mi corazón de niño. Unos meses más tarde, decidí convertir ese tratamiento en Lightyear (note las muchas referencias a Toy Story que inspiraron el tipo de letra).
Trucos y lecciones que he aprendido

1 repetición: Comience con una letra y trabajar desde allí. Por ejemplo, usted podría tomar una mayúscula R y dibujar desde que su mayúscula P, así como, posiblemente, la mitad inferior de las mayúsculas formas Repetición K. y formas en las letras trae un tipo de letra juntos. Piense en ello como la creación de una serie de piezas intercambiables que se utilizará como base para sus letras. Adición de elementos únicos puede venir después de tener el conjunto de formularios básicos en su lugar.

2 opciones puede ayudar a desenvolver su Idea: También me gusta agotar todas las opciones antes de decidirse por un solo diseño de personajes. Para cada tipo de letra, he creado múltiples variaciones de caracteres para ver qué funcionaba y parecía la mejor. A veces, la primera iteración es la mejor, pero la evolución de una idea hasta su final ayuda a encontrar las gemas y las combinaciones que no podría haber pensado.

3 Formar palabras: Una vez que usted tiene algunas letras creadas, empezar a formar palabras a medida que está diseñando el tipo de letra. Formando palabras me ayudaron como diseñador a tomar decisiones entre iteraciones y donde las cosas deben ser colocados. Las formas de las letras serán muy rara vez se utilizan de forma aislada, así que por qué a diseñar esa manera? Sí, el deseo debe ser para cada letterform para ser bella por sí misma, pero si no funciona en el sistema del tipo de letra que falta la marca.

4 tipográfico Evolution: Junto con el consejo anterior, dejar que el tipo de letra evolucionar a medida que lo crea. Por ejemplo, Storyland originalmente había rodeado de letras y curvas, pero cuando comencé a crear otras letras y empecé formando palabras, me pareció que parecía un poco extraño, así que alterado y lo dio bordes rectos a pesar de que yo ya había creado la mayoría de las letras minúsculas .

5 No tengas miedo al cambio: Puede ser un poco de trabajo extra, tiempo y esfuerzo, pero siempre vale la pena. ¿Quieres crear algo que se siente orgulloso, por lo que tomar atajos sólo dará lugar a la “Desearía tener …” o incluso más trabajo más adelante si decide cambiarlo. Confíe en su ojo diseño y los sentidos.

Dando el próximo paso: de Tipo de letra para OTF.

Así que aquí he tenido este tipo de letra vectorizado, ¿ahora qué? El diseño de una tipografía bien elaborado no es tarea pequeña o fácil, pero tampoco está haciendo el salto de letras bonitas para una fuente. Con esto dicho, hace 6 meses me decidí después de muchos años de desear, querer, poner excusas, y su puesta fuera de hacer algo al respecto.
Sin saber por dónde empezar, me envió una pregunta abierta a mis seguidores en Twitter pidiendo programas de tipo que no tomaron un grado de entender y por suerte Gerren , del Mercado Creativo, respondieron y me encontré con un programa muy fácil de usar de usar llamado Tipo Light.
Después de conseguir el programa, hice lo que haría cualquiera, leí las instrucciones que vienen con el programa. No, en serio, lo hice, y te recomiendo que lo hagas también. Se necesita una gran cantidad de las conjeturas de lo que significan las iniciales, cómo afectan la fuente, así como ahorrar tiempo en el largo plazo. Con cada fuente, me reto a mí mismo de nuevas maneras. Mocha no tiene mucho kerning, ya que es un solo espacio, por lo Trueno Pantalones involucrados aprender a Kern las cartas en el programa y hacer que el tipo de letra aspecto coherente, ya que se escribe a cabo. Con Storyland, me tiro a la luna y creó un tipo de letra en capas sin saber muy bien cómo llevar a cabo o hacer frente a esto. Cuando usted quiere hacer ese salto a la creación de una fuente, aquí están algunas cosas que le ayudarán.
Lo que debe saber antes de empezar

1 Regla para mesas de trabajo Dimensionamiento: Conozca los más altos personajes de alto, más bajo bajos y más anchos en su tipo de letra. Eso tendrá que ser del tamaño de su Junta de arte. He creado un cuadro con las reglas de la altura de referencia, x-altura y la tapa colocada dentro de un grupo (véase la imagen de abajo para una mejor idea de lo que mis archivos se parecen). ¿Por qué es importante? Al importar, el archivo tendrá un efecto multiplicador para el montaje, por lo que si usted no tiene el tamaño común para todos los archivos, algunos personajes tienen diferentes anchos y no se verá como usted se imaginaba.

2 No Strokes: Resuma sus golpes porque no van a hacer en el programa. Esa es una buena idea, no importa qué programa va a transferir un diseño a. También, si usted tiene algo especial, por ejemplo, como Lightyear Inline, noquear el espacio negativo. A veces, pero no funciona para todos los personajes, por lo que jugar a lo seguro.

3 Nombrar caracteres especiales: En el nombramiento de su mesa de trabajo, no todos los caracteres especiales se trasladarán, por lo que desarrollar un sistema para nombrarlos o escriba a cabo. Si no lo hace, van a ahorrar más de uno al otro y se le pregunta por qué está perdiendo algunos personajes.

4 superiores y Naming Minúsculas: En relación con la nota anterior, al exportar en Illustrator, que no diferencia entre “a” y “A”, por lo que he utilizado “minúscula-a” y “mayúsculas-a” para permitir tanto para ser salvo, así como al grupo de los alfabetos. Se hace la vida muy fácil cuando se está importando los archivos SVG. Individual en el programa.

5 Conocer las Teclas de acceso directo: Usando Tipo de luz, se importa cada personaje de forma individual, por lo que conocer los atajos y guardar sus dedos un montón de dolor. Os enseñaré a que la importación de cada personaje es un proceso muy laborioso, repetitivo y lento.

6 Dimensionamiento Todo derecho: Em Tamaño de la unidad (en la ventana Medidas Font) es muy importante para su tipo de letra que se ve bien en la pantalla. Esto será por defecto un número determinado sobre la base de qué archivo se crea (TrueType o PostScript), pero debe ser igual al número más grande entre su (ascendente + descensor) y anchura. Lo que esto hace es el número en 12 pts, el Em Tamaño de la unidad será un cuadrado de 12 puntos.

7 Nunca se olvide de divertirse: Me encanta las joyas ocultas en los diseños y películas, como cuando los personajes anteriores de Pixar son en películas posteriores. Con esto en mente, algo inculcado en todas mis fuentes son glifos especiales que he diseñado para ser usado en conjunto con el tipo de letra, así como para dar a los diseñadores herramientas al utilizar el tipo de letra. Si usted tiene mis fuentes, buscarlos. Si no, usted puede ver algunos de los ejemplos a continuación.

Conclusión
Una vez que esté listo para exportar, me encontré con este archivo de gran utilidad para ayudar a ver cada combinación de letras. Puede ser un montón de mirar a través, pero el objetivo es que, no importa lo se aplica el tipo de letra, siempre se ve bien. Este archivo es útil porque usted encontrará combinaciones que no pensamos y puede fijar fácilmente el ajuste entre caracteres.
Descargue el kerning-pairs.docx .
Después de mucha exportación, aplicando al texto, ajuste, y repitiendo, ya está listo para introducir a su tipo de letra para el mundo. Una vez que haya terminado, la diversión de dar el tipo de letra de un nombre comienza así la creación de las muestras de diseño. Como sigo aprendiendo y ampliar mis conocimientos con cada diseño de tipo de letra I, el proceso sólo me ha hecho apreciar fuentes mucho más. Espero que haya encontrado este útil e inspirador para iniciar ese proyecto en el que ha estado posponiendo.

La influencia de los cómics en el diseño gráfico

Comics siempre han existido como una diversión, contada con ilustraciones y burbujas de diálogo. Una parte familiar de nuestra infancia, con profundas raíces en la historia de la narración de cuentos. Muchos historiadores remontan los orígenes del cómic a toda la parte posterior de las pinturas rupestres de Lascaux, Francia. Estas imágenes pueden transmitir pensamientos y sentimientos antes de que hubiera un lenguaje escrito. Hoy en día los cómics son una industria en auge. Con la reciente llegada de las películas más taquilleras de superhéroes, los cómics son la nueva fuente de ingresos de Hollywood. Es por eso que es gratificante ver que los cómics se convierten en voces de cambio, elevándolos a una posición más elevada.

Comics como la libertad de expresión

Una larga duración manga japonés titulado “Oishinbo” que aparece en Big Comics Spirits magazine recientemente representaron a un personaje que sufre de hemorragias nasales crónicas después de visitar la central de Fukushima. Esto ha provocado la denuncia por parte del gobierno y la suspensión indefinida de los dibujos animados. Mientras tanto, todavía persisten las dudas sobre la salud y la seguridad de la zona a raíz de la catástrofe de la central nuclear que se produjo el 11 de marzo de 2011. Japón ha promulgado recientemente nuevas y estrictas leyes de secretos de estado que pueden llevar a un periodista en la cárcel por hasta 10 años en la cárcel por publicar información filtrada.

Comics para el cambio social

Esta no sería la primera vez que la industria del cómic fue suprimida por el gobierno o sentía la necesidad de hacer una declaración social.

En la década de 1950, la publicación de Seducción del Inocente y Desfile del Placer causó un gran revuelo en la industria del cómic que resulta en boicots de los consumidores, las audiencias ante el Subcomité del Senado sobre la delincuencia juvenil, y el eventual cierre de muchas empresas del cómic. Esto también llevó a la industria de la formación de la Comics Code Authority (CCA) para vigilarse a sí mismo.

En 1971 Marvel Comics publicó 3 temas antidrogas en la historia de Spider-man. Las estrictas reglas de la CCA indicaron que bueno o malo, las drogas nunca sería mencionado en un libro de historietas. Marvel tomó una posición con la publicación de estos 3 temas sin la bendición de un código de historietas.

En 1970, DC Comics comenzó una historia de un año en el que Linterna Verde que se abordaron cuestiones sociales de la época, como el racismo, nativos americanos, los políticos corruptos, la superpoblación y en una historia de 2 problemas, el compañero de Flecha Verde, Speedy, fue revelado a ser enganchado a la heroína. En este punto, el CCA se había aflojado la norma anti-drogas y lo aprobaron.

comic_maus_historia

En 1991, Art Spiegleman publicó una novela gráfica llamada Maus. Esta historia se basa en la opresión nazi de su familia en la Segunda Guerra Mundial Polonia. Los alemanes se representa a los gatos y los ratones eran población judía de Polonia.

Comics efectuar el cambio

Un ejemplo de cambio. En un mundo post-Chernobyl, uno pensaría que el gobierno querría ser más abierto y honesto acerca de las repercusiones de este tipo de eventos. Sea o no esto afectará el cambio en el manejo del gobierno de esta situación, se ha conseguido que la gente hable de ello. Y somos dueños de esto a las palabras y las imágenes en un pequeño cómic.

Me acuerdo de los seminarios que asistiría cuando yo estaba empezando. Por lo general eran organizadas por los diseñadores o ilustradores que habían “tenido éxito” en la industria. Fue una oportunidad para conocer gente que realmente hizo la diferencia y lo inspirarán a alcanzar el éxito por su cuenta. En algún lugar hay un estudiante novato o escuela de arte para mirar esta historia en las noticias y darse cuenta de que algún día se puede crear algo significativo.

Como solían enseñarnos en la escuela de arte, el concepto es el fundamento sobre el que se va a construir su arte. Una base débil hará que para un diseño débil. Siempre es importante cuando realmente buenos conceptos pueden inspirar el cambio. Ya sea que el cambio es social o la alteración de la dirección de la propia industria, sólo se necesita un artista que trabaja duro en su su estudio para atraer la atención de una nación o del mundo entero.